91 à 100
91. Eric Clapton - Tears In Heaven 1992 (Bill. 2, CHOM 276, RS 353, Top 3000 1130, Bill. 5000 132, DD 51, KZOK 414, RB 9, Voc. 55)
Une ballade écrite par Eric Clapton et Will Jennings suivant la douleur que Clapton a ressenti face à la mort de son fils Conor, qui est tombé de la fenêtre du 53ième étage du condominium de l'amie de sa mère à New York. Sa mort fut un tragique accident, et Clapton fut distrait pour plusieurs mois après. Cette chanson est une de ses chansons des plus populaires, atteignant le #2 au Billboard Hot 100.
Clapton a écris la chanson avec Will Jennings, qui était hésitant au début è l'aider pour une chanson aussi personnelle. La chanson apparait au début sur la bande sonore du film Rush, et gagne 3 Grammy awards pour Song of the Year, Record of the Year et Male Pop Vocal Performance en 1993. Elle apparait également sur l'album gagnant d'un Grammy, Unplugged.
Clapton ne joue plus la chanson depuis 2004, ainsi que "My Father's Eyes."
"I didn't feel the loss anymore, which is so much a part of performing those songs. I really have to connect with the feelings that were there when I wrote them. They're kind of gone and I really don't want them to come back, particularly. My life is different now. They probably just need a rest and maybe I'll introduce them for a much more detached point of view."
92. Wilson Pickett - In The Midnight Hour 1965 (Bill. 21, RS 134, Top 3000 89, DD 43, R'N'B 11)
Une chanson performé originalement en 1965 et paru en 1966 sur l'album The Exciting Wilson Pickett. Elle a été composé par Pickett et Steve Cropper au Motel Lorraine à Memphis ou Martin Luther King, Jr. sera plus tard assasiné en avril 1968. Le premier succès de Pickett chez Atlantic Records, elle atteint le #1 sur les charts R'N'B et #20 sur les charts pop.
Cette chanson est devenu un standard de la musique soul des années 60.
93. Big Joe Turner - Shake, Rattle & Roll 1954 (RS 126, Top 3000 151, DD 40, R'N'B 8 )
Une chanson rock'n'roll dans une forme blues de douze bars écrite en 1954 par Jesse Stone sous le nom de Charles E. Calhoun. Elle a été enregistré par Big Joe Turner, et reprise avec succès par Bill Haley and His Comets.
Les origines de la chanson
Au début de 1954, Herb Abramson d'Atlantic Records suggère à Stone d'écrire un up-tempo de blues pour Big Joe Turner, un chanteur de blues, dont la carrière a commencé à Kansas City avant la seconde guerre mondiale. Stone a joué avec différentes phrases avant de venir avec "Shake, Rattle and Roll".
Toutefois, la phrase avait été utilisée dans des chansons précédentes. En 1919, Al-Bernard a enregistré une chanson sur le jeu de dés avec le même titre, évoquant clairement l'action de tir de dés à partir d'une tasse. L'expression est également entendu dans "Roll the Bones" par l'Excelsior Quartette en 1922. Bien que l'expression a sans aucun doute été transmise, aucune de ces chansons sont des ancêtres directs.
Stone a déclaré que la ligne "a one-eyed cat peepin' in a seafood store" lui a été suggéré par le batteur de session d'Atlantic Records, Sam "Baby" Lovett.
Enregistrement original par Big Joe Turner
La version de Turner a été enregistré à New York le 15 février 1954. L'enregistrement est fait sous la direction de Jerry Wexler et Ahmet Ertegun. Le solo de saxophone est par Sam "The Man" Taylor. L'enregistrement de Turner a été publié en avril 1954, et atteint le # 1 du Billboard R'N'B, mais n'atteint pas les charts pop.
La chanson, dans son incarnation d'origine, est très sexuelle. Peut-être que sa phrase la plus salée est la suivante, absente dans l'enregistrement de Bill Haley, "I've been holdin' it in, way down underneath / You make me roll my eyes, baby, make me grit my teeth".
Elvis Presley reprendra cette chanson en 1956 également.
94. Jethro Tull - Aqualung 1971 (CHOM 54, Top 3000 1096, DD 113, KZOK 90, GR 23, GS 46)
Une chanson écrite par le leader du groupe, Ian Anderson, et son épouse d'alors, Jennie Francs. Comme beaucoup de chansons de Jethro Tull, "Aqualung" raconte une histoire, en l'occurrence l'histoire d'un homme sans-abri. L'ouverture dit : "Sitting on a park bench / Eying little girls with bad intent" (Assis sur un banc de parc / Regardant des petites filles de mauvaises intentions).
Dans un entretien avec Ian Anderson en septembre 1999 pour Guitar World, il a dit:
Aqualung n'est pas un album concept, bien que beaucoup de personnes pensaient ainsi. L'idée est venue sur une photo de ma femme à l'époque prise d'un clochard à Londres. J'ai eu un sentiment de culpabilité sur les sans-abri, ainsi que la peur et l'insécurité avec des gens comme ça qui semblent faire un peu peur. Et je suppose que tous a été combinée avec une image légèrement romancée de la personne qui est sans abri, mais dans un esprit libre, qui ne peuvent pas se joindre à la société.
À partir de cette photo et ces sentiments, j'ai commencé à écrire les paroles de "Aqualung". Je me souviens assis dans une chambre d'hôtel à Los Angeles, l'élaboration de la structure de la corde pour les versets. C'est tout un enchevêtrement torturé d'accords, mais il est vraiment destiné à vous faire glisser ici et là, et puis vous amené en douceur à la partie acoustique de la chanson.
Selon les informations reçues, Jimmy Page est entré dans le studio pendant que Martin Barre enregistrait le solo de guitare. Il était en train de faire la premièere prise, Martin ne connaissait pas bien Jimmy, et fut pris de gêne. Jimmy envoie la main à Martin de la salle de contrôle, alors qu'il jouait, et Martin a cessé de jouer pour une courte seconde, et lui fait signe avec sa main droite, tout en continuant à soutenir le son avec la main gauche. Le solo qu'on retiendra sera celui la même de la prmière prise. En effet, il ya une courte retenue avec du feedback pendant le solo. Anderson a plaisanté une fois, que si vous augmentez le volume, vous pouvez entendre Martin trembler.
Live le 2 février 1977
95. The Moody Blues - Nights In White Satin 1967 (Bill. 2, CHOM 18, Top 3000 1325, Bill. 5000 925, DD 128, KZOK 42, RB 57)
Une chanson qui apparait sur l'album de 1967 Days of Future Passed.
"Nights In White Satin" ne fut pas populaire à sa première sortie, probablement due à sa longueur, 7 minutes et 38 secondes était beaucoup plus que la norme à l'époque. Il y a 2 versions éditées de la chanson, tous les deux sans l'orchestration et la poésie de l'album. La première version, était une version entre-coupée de 3:06. La deuxième version garde la partie principale intact, terminant à 4:26. Les 2 versions sont sorties en simple. La chanson ré-apparue en 1972 après la sortie de chanson longue et dramatique comme "Hey Jude" et "Layla", atteint le #2 du Billboard et le million de copies vendus et fut #1 au Canada.
Justin Hayward a écrit la chanson à l'age de 19 ans. Le London Festival Orchestra fournit l'accompagnement symphonique de la chanson. Le groupe et l'orchestre utilisent le Mellotron, qui va faire parti du son bien défini des Moody Blues.
Live en 1970
96. Jefferson Airplane - Somebody To Love 1967 (Bill. 5, CHOM 383, RS 274, Top 3000 462, Bill. 5000 4032, DD 69, KZOK 337, GR 192, Voc. 74)
Une chanson composée par Darby Slick (beau-frère de Grace Slick), dont l’interprétation la plus célèbre est celle du groupe Jefferson Airplane. Cette version est parue sur leur album Surrealistic Pillow et en simple en 1967, sur l’étiquette RCA Records. Elle a atteint la cinquième position au Hot 100 du Billboard.
La chanson a d’abord été interprétée par le groupe Great Society, dont faisait partie Darby Slick, en 1966.
La version de Jefferson Airplane a été utilisée dans plusieurs films, notamment dans Golden Gate (1994), Apollo 13 (1995), Las Vegas Parano et Marrakech Express (1998), La Maison au bout du monde (2004) et Quatre Frères (2005).
Live à Woodstock en 1969
97. The Rolling Stones - Brown Sugar 1971 (Bill. 1, CHOM 43, RS 490, Top 3000 158, Bill. 5000 1435, DD 213, KZOK 398, GR 25)
La pièce d'ouverture de l'album Sticky Fingers.
L'inspiration et l'enregistrement
Bien que crédités, comme la plupart des compositions des Stones, du chanteur Mick Jagger et du guitariste Keith Richards, la chanson est l'oeuvre principalement de Jagger, qui l'a écrite au cours du tournage de Ned Kelly en 1969. La bande originale enregistrée sur une période de trois jours à Muscle Shoals Sound Studio à Muscle Shoals, en Alabama au cours de décembre 1969, la chanson n'a pas été libéré jusqu'à avant un an en raison de querelle juridique avec l'ex-label du groupe, même si les Stones l'ont interprèté au cours du tristement célèbre concert à Altamont. Dans le film Gimme Shelter, la chanson est lue à Jagger et Richards, alors qu'ils se détendre dans un hôtel de l'Alabama. Cette version diffère de celle enregistrée par l'inclusion d'une variation rythmique sur le familier introduction staccato de deux des quatre bars et il comprend un solo de guitare de Mick Taylor plutôt qu'un solo de saxophone de Bobby Keyes.
La chanson, avec son remarquable blues-rock riff, rock et rythmes dansants, est représentative de la définitive mi-période dure blues-rock des Stones, le plus souvent associés avec le groupe. Cependant, ses paroles ont souvent été un point d'intérêt et de controverses. Décrit par le critique rock Robert Christgau comme «un rocker si impérieux qu'il décourage l'exégèse", la popularité de Brown Sugar a en effet souvent éclipsé ses paroles scandaleuses, qui sont essentiellement un pastiche d'un certain nombre de sujets tabous, y compris le sexe interracial, cunnilingus, le viol d'esclaves, et moins nettement, le sadomasochisme, la perte de la virginité, et l'usage d'héroïne.
En 1993, Jagger dit: "The lyric was all to do with the dual combination of drugs and girls. This song was a very instant thing, a definite high point."
Une autre version a été enregistré le 19 Décembre 1969 au Olympic Studios à Londres, après (ou pendant) une fête d'anniversaire pour Richards. Elle est doté d'apparences par Al Kooper au piano, et Eric Clapton à la guitare. Richards chante le premier couplet, et soutien fort le reste de la chanson. Cette version est disponible sur enregistrements pirates. Richards a examiné cette version pour Sticky Fingers, surtout pour son atmosphère plus spontanée, mais a décidé d'opter pour l'original.
98. Elvis Presley - Don't Be Cruel 1956 (Bill. 1, RS 197, Top 3000 92, Bill. 5000 6)
Une chanson de rock'n'roll écrite par Otis Blackwell et Elvis Presley.
Enregistrée le 2 juillet 1956 à New York avec Elvis Presley au chant et à la guitare rythmique, Scotty Moore à la guitare, Bill Black à la contrebasse, D.J. Fontana à la batterie et The Jordanaires dans les chœurs, elle est éditée en simple par RCA le 13 juillet, avec Hound Dog sur l'autre face. Le disque est numéro 1 des ventes aux États-Unis pendant onze semaines à partir du 18 août, et sera remplacée par Love Me Tender, une autre chanson du King.
Elvis a interprété Don't Be Cruel aux studios Sun Records à Memphis le 4 décembre 1956 avec Carl Perkins et Jerry Lee Lewis lors de ce qu'on a coutume d'appeler « The Million Dollar Session ».
99. David Bowie - Space Oddity 1969 (Bill. 15, CHOM 130, Top 3000 108, Bill. 5000 4476, DD 173, KZOK 197, Voc. 99)
Premier succès de David Bowie auprès du grand public, la chanson Space Oddity (1969) raconte l'histoire d'un jeune astronaute, nommé Major Tom, qui, envoyé dans l'espace, ne veut plus revenir sur la planète terre, And am sitting in my tin can, far above the moon, planet earth is blue and there's nothing I can do et cela malgré ses attaches familiales Tell my wife I love her very much, she knows.
Space Oddity est, chronologiquement, la première chanson de David Bowie à magnifier la thématique de l'espace, largement reprise dans les albums suivants : The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars et la chanson Life on Mars?, qui retranscrit bien l'étrange fascination de toute une génération.
Une dimension poétique
Aussi, cette inclination du jeune Bowie, ou de façon plus générale celle du poète, à s’élever vers le firmament marque sa volonté de se détacher d’une pesanteur sociétale et matérielle qui l'éloigne de son espace de création. Le Ground Control, force de gravité, ramène Major Tom à des préoccupations terrestres (And the papers want to know whose shirt you wear) alors que ce dernier est paisible, floating in his tin can, dans une torpeur lactée et céleste, tel le Bateau Ivre de Rimbaud baigné dans le Poème, De la Mer, infusé d’astres, et lactescent. Cette comparaison avec le symboliste français n’est pas dénuée de sens et permet de saisir la portée même de Space Oddity. Le bateau se libère de ses haleurs, du gouvernail et du grappin comme Major Tom décide de « couper le circuit » (The circuit’s dead, they’re something wrong). Dès lors, le poète-Major Tom est confronté , surpris et étonné, à un nouvel aspect des choses qui l'entourent, à une nouvelle réalité, qui est poétique, et découvre une nouvelle vérité (Am floating in a most peculiar way, And the star look very different today). Cette activité de découverte est subtilement évoquée chez Rimbaud dans le vers Et j’ai vu quelquefois ce que l’homme a cru voir. Le langage bowien, symboliste, étrange et souvent hermétique, est la parfaite mimésis de cette sensation de surprise et d’étonnement. Le silver screen de Life on Mars ? et la little green wheel de Ashes to Ashes étonnent, et participent à une remotivation poétique intrigante qui plonge, slightly dazed, dans un univers envoutant, dans une « bizarrerie de l’espace » qui constitue ainsi un témoignage métaphorique de l’entrée du jeune poète dans la sphère de la création. Ashes to Ashes est justement l’épilogue des aventures de Major Tom, qui est révélé comme un junkie. Funambule clownesque, la figure du poète selon Rimbaud est incarnée dans le clip vidéo d’Ashes to Ashes par David Bowie. Cette dernière chanson, comme Life on Mars ?, ne décrivent pas un monde idéal au milieu des étoiles mais plutôt amer et déçu, ce qui brise l’image, d’ailleurs erronée, d’un Major Tom hippie, rebelle, pur et angélique. Pour Bowie le but n’est pas de refaire le monde par delà les cieux : l’idéal hippie et celui d’une musique engagée est abandonné dans la chanson Cygnet Commitee avec ses lancinants I want to live. Planet earth is blue and there’s nothing I can do…
100. AC/DC - Back In Black 1980 (Bill. 37, RS 187, Top 3000 683, DD 107, KZOK 74, RA 20, GR 20, GS 200)
Un morceau de l'album Back in Black sorti en 1980. Les textes (écrits par Brian Johnson) parlent principalement de Bon Scott, l'ancien chanteur du groupe qui venait alors de mourir, le 19 février 1980. Le morceau, et plus particulièrement le solo de guitare, deviendra un standard pour tous les guitaristes.
Live à Donnington